'Sexo fácil, películas tristes'

Sexo fácil, películas tristes (1/5 estrella)

La segunda ópera prima que llega a nuestras carteleras trabaja con los mimbres de la comedia romántica, sus lugares comunes y lo que acerca y aleja ese género de la realidad: el argentino Alejo Flah, guionista del thriller Séptimo, pone en escena a un escritor, encarnado por Ernesto Alterio, que atraviesa una situación sentimental complicada y a quien le han encargado el guión de una película romántica, cuyo desarrollo vemos en pantalla en la piel de los actores Quim Gutiérrez, Marta Etura, Carlos Areces y Bárbara Santa-Cruz. No es la primera ni será la última vez que un grupo de personajes de ficción queda al descubierto, y quizá lo más original de la propuesta de Flah es el contraste entre la melancolía que sufre el protagonista y los tópicos que se plantea mientras escribe la comedia romántica en cuestión. Original, en efecto, pero demasiado previsible ya que ni la historia ni los motivos de la subtrama con Gutiérrez y Etura gozan de la consistencia necesaria para sostener parte del largometraje y Sexo fácil, películas tristes acaba tropezando con las mismas piedras que pretende apartar del camino.

 

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 24 de abril de 2015.

 

'Lost River'

Lost River (2/ 5 estrellas)

Si existe algo más allá del posmodernismo cinematográfico, seguro que se parece al patchwork desasido de Lost River, el debut en la dirección de Ryan Gosling, conocido por protagonizar cintas románticas como El diario de Noa o de acción estilizada como Drive. Entre un género u otro, Gosling se ha lanzado en su ópera prima al terreno del neonoir -es más cool-, aunque decididamente no sabe trabajarlo con propiedad. En vez de buscar fórmulas, ha optado por hacer de esta historia sobre una familia en una ciudad en hundimiento la peor aglomeración de citas posibles; todos cineastas de estéticas similares, de Terrence Malick a David Lynch, Dario Argento, Mario Bava y por supuesto Nicolas Winding Refn, pero ni uno de los planos que calca de sus mentores consiguen que Lost River abandone su condición de pátina. Sólo barniz.

 

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 17 de abril de 2015.

 

'Mortdecai'

Mortdecai (1/5 estrella)

David Koepp, conocido guionista de la fábrica de sueños (Jurassic Park), regresa a la dirección con Mortdecai, esta vez adaptando de manera libérrima y en clave de comedia las primera de las novelas del no menos excéntrico Kyril Bonfiglioli, Don't Point That Thing At Me, donde un marchante snob, algo barroco y con un pie en el mercado negro es reclutado por la inteligencia británica para que rescate un Goya desaparecido. Sobre el papel, Mortdecai puede interpretarse como una parodia descacharrante del arquetipo del espía británico, pero en pantalla esta película realizada para el lucimiento de Johnny Depp no hace apenas gracia y sus chistes tuercen el rictus en vez de levantar sonrisas. Su trabajo sobre la farsa es notable, y quizá por ello el filme acabe convertido en una extravagante patraña.

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 10 de abril de 2015.

Gett – El divorcio de Viviane Amsalem

Gett – El divorcio de Viviane Amsalem  (3,5/5 estrellas)

Los dramas judiciales y más concretamente los que se centran en los procesos de divorcios suelen ser un potente dispositivo desde el que evaluar las brechas de una sociedad y su sistema de justicia. Lo vimos en la angustiante Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi, y de nuevo nos enfrentamos a ello en la no menos opresiva Gett – El divorcio de Viviane Amsalem, en donde se relatan los cinco años por los que pasa una mujer israelí para separarse de su marido. Narrada casi siempre con la sala de juicios como principal escenario, los hermanos Elkabetz levantan una trágica fábula que señala la terrible situación de la mujer en el Israel ortodoxo y el absurdo de una sociedad regida por el poder religioso.

 

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 2 de abril de 2015.

EL ÚLTIMO CLÁSICO: 'Rise Above', de Epic Soundtracks

EL ÚLTIMO CLÁSICO: Epic Soundtracks

“Rise Above” (Bar/None, Rough Trade 1992)

La ópera prima de Epic Soundtracks, tras una carrera de dos décadas relegado a la sombra del escenario, supone la culminación de su pasión extrema por la música. Cristalino e hipnótico, en “Rise Above” confluyen su delicada maestría compositora y la admiración que sentía por uno de los mejores grupos del pop: los Beach Boys.

En 1992, Epic Soundtracks, nacido en marzo de 1959 como Kevin Paul Godfrey, en Croydon, Inglaterra, había logrado un currículum que infundía el máximo de los respetos por su profusión, profesión y pedigrí. El chico que le arrebató a Epic el nombre de su división de bandas sonoras (Epic Soundtrax es la nomenclatura actual) también facturó ese año “Rise Above”, un disco imprescindible por su cristalina e inmensa belleza con el que buscaba demostrar su valía como compositor a la vez que homenajear a su admirado Brian Wilson. La carrera de Soundtracks quedó truncada, cinco años después y con tres largos a su espalda, al quitarse la vida en su apartamento de Londres. Casi una década más tarde, en marzo de 2006, también fallecía su gran amigo, mentor y hermano mayor, Nikki Sudden.

“El primer recuerdo claro en mi cabeza es el nacimiento de mi hermano”, confesaba hace unos años Sudden, tras la pérdida de Soundtracks. Los dos habían empezado a tocar juntos y cuando el hermano mayor se compró su primera guitarra y el pequeño decidió que lo suyo sería la batería nacieron The Swell Maps, uno de los grupos subrayados bajo el influjo de las cuatro cifras mágicas del punk: 1977. Tres años después el grupo se disolvería durante una gira por Italia, no sin haber editado antes “A Trip to Marineville” (1979) y “Jane from Ocuppied Europe” (1980), clásicos del ruidismo y señas máximas para epígonos de esa escuela como los omnipotentes Sonic Youth. Nikki Sudden expuso las razones a esta ruptura: “Yo quería hacer rock, ellos no”. Y aunque, para un enamorado de las melodías de los 60 como era Soundtracks, los experimentos sonoros no llegaron nunca a satisfacer sus inquietudes musicales -según Sudden, “Epic me confesó mucho más tarde que nunca le había gustado ese estilo de música”-, acabó juntándose con parte de lo más estridente de la década: The Red Krayola, The Jacobites (junto a Sudden), Crime and the City Solution, These Inmortal Souls (con el dramático Roland S. Howard de The Birthday Party), Sonic Youth y Dinosaur Jr.

“Rise Above” llegó con el principio del fin del auténtico indie, en el umbral de los 90. Soundtracks ya había tanteado centrar su carrera en solitario, pero no fue hasta entonces cuando decidió dar definitivamente el salto de la batería al micrófono. Secundado por parte de la escudería de Sonic Youth, Lee Ranaldo y Kim Gordon, el citado Roland S. Howard y Jay Mascis en la percusión, su debut como protagonista plasma la profunda sensibilidad por el pop que el británico había ido fraguando en su interior con el paso del tiempo. En el 81, ya había publicado un par de sencillos, “Popular Classics”/“Jelly Babies” con Robert Wyatt (la comparación es inevitable, ¿no?), y Rain Rain Rain”, junto a Jowe Head de Swell Maps y Televisión Personalities, pero nada similar a este primer disco. Aquí Soundtracks tenía por fin el control de su música, y, por ello, las canciones destilan una autoconfianza inaudita para un álbum dirigido por el compás de un piano en una época donde el ruido de las guitarras era el signo de los tiempos. El resultado, un consistente cancionero donde exponía sus temores, añoranzas y su ímpetu por mantenerse fiel a sí mismo, es inmejorable ya con la primera nota de “Fallen Down”, y no cesa en ningún momento, desde la arrebatada “Farmer’s Daughter”, a la furia desasida de “Wild Situation” o “Big Apple Graveyard”, la recreación surf en “Meet me on the beach”, las baladas de medio tiempo como “Everybody Else is Wrong” ,“I feel good” , “Sad Song”, o el beatleniano broche final de “She Sleeps Alone”. Arropado por las excelentes críticas, reincidiría más tarde con otros dos álbumes, “Sleeping Star” (1994) y “Change My Life” (1996), ambos en Bar/None, y pequeños escarceos musicales con los Lemonheads. Luego vino la oscuridad.

Alan McGee, capo de Creation Records, siempre había presumido que la piedra angular de la discográfica estaba inspirada en la colección de discos de Epic Soundtracks. Yo conocí su espléndido debut gracias a otra gran colección.

 

Publicado en Go-Mag, noviembre de 2006

Electric boogaloo: La loca historia de Cannon Films

Electric boogaloo: La loca historia de Cannon Films (3,5/5 estrellas)

A Cannon Films le debemos esas tardes de sobremesa de los años ochenta viendo películas de Chuck Norris o Charles Bronson; un legado que ha marcado para siempre a una generación y una manera de hacer cine sin la cual no existirían ni las cintas de Europa Corp con Liam Neeson en cabeza ni los Weinstein. De su extenso catálogo da cuenta este documental a cargo de Mark Hartley (Machete Maidens Unleashed!, Not Quite Hollywood, ambas delicias enciclopédicas de la serie B) que también se fija en los excesos de los cerebros detrás de la productora, Menahem Golan y Yoram Globus. Divertido es poco, aunque se echa de menos que al menos citen lo que de verdad aupó a la compañía: los videoclubs y el VHS.

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 13 de marzo de 2015.

Maps to the Stars

Maps to the stars   (3,5/5 estrellas)

En Maps to the Stars los fantasmas acechan a los protagonistas como si estuvieran en una película de terror: David Cronenberg no es el primero que ha retratado Hollywood como un escenario espectral y angustioso (Billy Wilder o David Lynch han firmado, por ejemplo, dos películas antológicas al respecto, El crepúsculo de los dioses y Mulholland Drive), aunque el canadiense, conocido por sus relatos perturbadores acerca de la fragilidad de lo humano y de su carne, conduce sus inquietudes en torno a la fábrica de sueños hacia otros derroteros más crueles y despiadados.

En este incómodo mapa de las estrellas hollywoodienses ni siquiera el menor de edad se libra del tormento y desde que la joven Agatha (Mia Wasikowska) llega salida de un centro mental al Paseo de la fama lo que vemos en pantalla es una sucesión de tormentas emocionales y egos desmedidos, sólo atenuados por los narcóticos y los falsos gurús, charlatanes de la autoayuda.

Sin llegar a la maestría visual de las obras previas a Una historia de violencia, en su última cinta Cronenberg no evita mostrarse obsceno y pantagruélico con sus criaturas hasta alcanzar incluso los límites de lo monstruoso en términos morales, especialmente con el personaje de Julianne Moore, sobre el que acaba pivotando el resto y de los más grotescos retratos acerca de las secuelas de una fama que no sabe vivir sin el asombro de las alfombras rojas. Ahora que la pelirroja ha ganado el premio Oscar como mejor actriz por Siempre Alice, verla en un registro opuesto y demoledor es un buen ejercicio para comprobar el negro contraplano de su éxito.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 6 de marzo de 2015.

Ex Machina

Ex Machina (4/5 estrellas) 

Hace un par de meses Stephen Hawking alertaba en una entrevista en la BBC de la amenaza que puede suponer el desarrollo de los sistemas inteligentes artificiales, es decir, del peligro ante un hipotético advenimiento de los robots como entes autónomos. 

Si queda mucho o poco para ese día es una incógnita, pero el cine lleva tiempo fantaseando con la posibilidad y Ex Machina aporta, en este sentido, numerosas contribuciones al debate conjugando por una parte una riquísima tradición estética que parte del concepto del Unheimlich freudiano (lo siniestro) y que transita por el mito de Barba Azul, el no menos perverso cuento de Perrault, sin dejar de lado, obvio, los preceptos acerca de la AI propuestos por Alan Turing. De hecho, el protagonista, Caleb (Domhnall Gleeson) es reclutado por Nathan (Oscar Isaac), el presidente de la compañía informática donde trabaja, para que someta al androide Ava (Alicia Vikander), su experimento, al test de Turing.

Contemplativa y divulgativa, el suspense en Ex Machina se fragua en la serie de entrevistas entre robot y humano y en la creciente tensión emocional y sexual que va brotando con las palabras. El deseo, al final, conforma el nudo gordiano de una trama que como buena ciencia-ficción se sirve de los robots para examinar las pasiones del ser humano.  

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 27 de febrero de 2015.

El destino de Júpiter

El destino de Júpiter (2,5/5 estrellas)

A los hermanos Wachowski no les falta imaginación y los mundos que ponen en escena, ya sea el Apocalipsis bajo el velo del simulacro que trabajaron en la trilogía Matrix o las vidas interdimensionales que se buscaban más allá del tiempo y el espacio en El atlas de las nubes, tienen en su grandilocuencia su mejor aliado: pocos creadores de Hollywood pueden presumir de tomarse la fantasía como género tan en serio como esta pareja. 

En El destino de Júpiter los Wachowski invocan la space opera de resonancias niponas en una nueva versión del relato de Cenicienta que aúna, además, disputas interestelares, ambiciones fraticidas y una visión sobre el destino de la humanidad nada complaciente y que emparenta esta historia con la mirada distópica de Matrix, o con otras producciones tan dispares como la serie televisiva Utopia y la cinta de acción Kingsman, de próximo estreno.

De ideas, por tanto, no carece la pareja, a quienes sí les falta algo de coherencia con sus guiones. Como sucedía en El atlas de las nubes, El destino de Júpiter parece una sucesión de episodios antes que un largometraje per se y apenas deja espacio para el desarrollo de sus personajes, especialmente su protagonista, una Mila Kunis a quien lo de convertirse en la nueva gobernadora del universo más cercano no le provoca ni el mínimo pestañeo. Caótica y desbordante, pero bien entretenida.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 13 de febrero de 2015.

...

A mi pareja de posibilidades.

Timbuktu

Timbuktu (4 estrellas)

Timbuktu, la nueva película del mauritano Abderrahmane Sissako, se pregunta si puede sobrevivir un árbol en mitad de un desierto amenazante, investiga el dolor en el rostro de una niña que huye y ahonda en las frustraciones que pueden conducir a ciertos hombres a abrazar el fanatismo.

Dice el cineasta que está basada en unos hechos acontecidos en Malí en 2012, cuando en la ciudad de Aguelhok una pareja que convivía sin estar casada murió lapidada tras haber sido condenada por el gobierno islamista de la zona, aunque la tesis que desarrollan las líricas imágenes del trabajo señalan a todo aquel que se atreve a subyugar la vida de los demás y acabar con ellas.

Con un sentido del humor muy particular y que sirve de contrapunto para algunas escenas sobrecogedoras, Sissako no teme extremar los tonos cuando la historia lo requiere, recurso que obvia cuando debe enfrentarse al crudo clímax de la historia que explica. Entonces se pierde la retórica porque no es posible la poesía ante el relato de la barbarie, como apuntaba el pensador Theodor Adorno.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 6 de febrero de 2015.

Blackhat

Blackhat (4,5/5 estrellas)

El arranque de Blackhat, el nuevo thriller de Michael Mann, son diez minutos que exploran en distintas escalas de cercanía y lejanía visual (de la visión extraterrestre al nivel nanoscópico) el cómo apretar un botón del comando de un ordenador puede provocar un cataclismo global.

Es un prólogo que roza lo experimental y que marca el tono introvertido del trabajo, a pesar de su tamaña tesis: el mundo contemporáneo se ha convertido en un enorme sistema de vigilancia y sólo aquél capaz de saber entrar y salir de la estructura foucaltiana digital puede ser libre o puede subyugar a los gobiernos bajo la tiranía del terror. En este caso, los dos perfiles están bastante definidos en el rol protagónico, Nick Hathaway (Chris Hemsworth), un hacker encarcelado tras varios desfalcos bancarios, y en su némesis, un cyberterrorista y a la vez hombre sin atributos (en ningún momento sabremos su nombre) que con una serie de ataques a China y a Wall Street planea dominar el mundo.

Quizá en Blackhat Mann se preocupa en demasía en subrayar estos conceptos (a Hathaway le vemos leyendo a Baudrillard y otros teóricos post-estructuralistas), y los admiradores de las elipsis del cineasta pueden acusarle de algunos agujeros, pero no cabe duda de que en materia de acción cinética en HD es aún un gran maestro.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 30 de enero de 2015.

Birdman

Birdman (3/5 estrellas)  

A Alejandro G. Iñárritu la modestia siempre le ha quedado grande y ni una de las películas que conforman su filmografía está exenta de altanería. Tampoco la última, este Birdman que cuenta las derivas de un actor de Hollywood, conocido por haber encarnado a un gran superhéroe, en su apuesta por reconvertirse en actor de prestigio con una adaptación de Raymond Carver en Broadway, por mucho que el material con el que Iñárritu se vista sea precisamente la crítica al ego desmedido.

Ensamblada de manera notable mediante un falso plano secuencia que sigue las preparaciones y ensayos previos a la noche de estreno de la obra teatral, Birdman, como es habitual en el corpus del cineasta, vuelve a fijarse en un universo cerrado y, a la postre, autosuficiente, endogámico, protagonizado por los tiras y aflojas entre Riggan -Birdman (Michael Keaton), su productor (Zack Galifianakis), su hija (Emma Stone) y sus compañeros de reparto (Naomi Watts y Edward Norton). Hay escenas hilarantes, sobra decir que las interpretaciones son portentosas y la descripción sobre las neuras y fobias de quienes hacen de las bambalinas su existencia posee el suficiente tono ácido como para sorprender a todo aquel que le sea ajeno ese mundo. Son sólo, sin embargo, parte del artificio que Iñárritu despliega, como los fuegos artificiales apesadumbrados lanzados al aire en Babel (2006) o Biutiful (2010).

Mucha pirotecnia y no tanta verdad, así pues, encontramos en esta cinta que aspira a ser el Opening Night (John Cassavettes, 1977) del mexicano y que se queda en una tragicomedia sobre los sinsabores vitales de la caída en desgracia de un superhéroe. Como al malogrado protagonista, a Iñárritu sólo le queda el golpe de efecto plañidero para que creamos en su espíritu autoral. Al menos hay algo de honestidad en su rabieta.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 9 de enero de 2015.

Listas listas 2014

Número Cero: Mis 20 de 2014 

1-Pays Barbare (2013), de Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi (estrenada en el IBAFF)

2-Jauja (2014), de Lisandro Alonso

3-Under the Skin (2013), de Jonathan Glazer  (estrenada en Sitges Film Festival)

4-Cavalo Dinheiro (2014), de Pedro Costa (estrenada en el Sevilla European Film Fest)

5-Les salauds (2013), de Claire Denis

6-El Gran Hotel Budapest (2014), de Wes Anderson

7- The Creator of the Jungle/ Sobre la marxa (2014), de Jordi Morató

8-Dos días, una noche (2014), de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

9-The Immigrant (2013), de James Gray

10-La jalousie (2013), de Philippe Garrel (estrenada en el D’A)

11-Only Lovers Left Alive (2013), de Jim Jarmusch

12-A Most Wanted Man (2014), de Anton Corbjin

13-Lucy (2014), de Luc Besson

14-L’ Image Manquante (2013), de Rithy Panh

15-Snowpiercer (2013), de Bong Joon-ho

16-Frank (2014), de Lenny Abrahamson

17-La isla mínima (2014), de Alberto Rodríguez

18-Phantom Nebula (2014), de Makino Takashi (estrenada en el S8 de La Coruña)

19-Tryouts (2013), de Susana Casares (estrenada en el Festival de Málaga)

20- Ärtico (2014), de Gabi Velázquez

+ la película que debería estar en el top pero no porque se estrena de manera raruna

Adiós al lenguaje (2014), de Jean-Luc Godard

20 estrenos PLAY - Diari ARA

1-Jauja (2014), de Lisandro Alonso

2-Les salauds (2013), de Claire Denis

3-El Gran Hotel Budapest (2014), de Wes Anderson

4- The Creator of the Jungle/ Sobre la marxa (2014), de Jordi Morató

5-Dos días, una noche (2014), de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

6-El futuro (2013), de Luis López Carrasco

7-The Immigrant (2013), de James Gray

8-Only Lovers Left Alive (2013), de Jim Jarmusch

9-A Most Wanted Man (2014), de Anton Corbjin

10-El viento se levanta (2013), de Hayao Miyazaki

11-Lucy (2014), de Luc Besson

12-L’ Image Manquante (2013), de Rithy Panh

13-Snowpiercer (2013), de Bong Joon-ho

14-Costa da Morte (2013), de Loïs Patiño

15-Frank (2014), de Lenny Abrahamson

16-La isla mínima (2014), de Alberto Rodríguez

17- Ärtico (2014), de Gabi Velázquez

18-Ida (2013), de Pawel Pawlikowski

19-La Lego Película (2014), Phil Lord y Christopher Miller

+ Adiós al lenguaje (2014), de Jean-Luc Godard (debería estar en el top 1 pero no lo está por su inexplicable estreno amputado)

MIRADAS: Lista de 10 películas destacadas del 2014 (todas son de 2014)

1-Jauja (2014), de Lisandro Alonso

2-Cavalo Dinheiro (2014), de Pedro Costa 

3-El Gran Hotel Budapest (2014), de Wes Anderson

4-La princesa de Francia (2014), de Matías Piñeiro

5- The Creator of the Jungle/ Sobre la marxa (2014), de Jordi Morató

6-Dos días, una noche (2014), de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

7-A Most Wanted Man (2014), de Anton Corbjin

8-Lucy (2014), de Luc Besson

9-La isla mínima (2014), de Alberto Rodríguez

10-Phantom Nebula (2014), de Makino Takashi

 +   2 series (o capítulos de series) reflejo de este 2014.

The Knick (2014- ), Steven Soderbergh, Jack Amiel y Michael Begler

The Beauty of Anatomy (2014), con el Dr. Adam Rutherford para la BBC

 +  figura (actor, director, personaje, productora, etc.) que nos parezca representativa del año.

Scarlett Johansson y Jean-Luc Godard (ex aequo)

 

El séptimo hijo

El séptimo hijo (1/5 estrella)

La primera y última vez que vimos a Julianne Moore y Jeff Bridges en pantalla fue en esa maravilla del humor llamada El gran Lebowski y uno de los atractivos de esta cinta pivota en la pareja, aquí en vez de extraños amantes actúan como enemigos.

Eso sí, nada tiene que ver la película que nos ocupa, adaptación de la primera de las novelas de fantasía de Joseph Delaney, con la de los hermanos Coen: más que un Los Ángeles surrealista nos encontramos en un escenario donde las brujas amenazan con hacer del mundo territorio del mal. A menos que alguien frene tal aquelarre fatídico, según la leyenda, el séptimo hijo del séptimo descendiente hasta alcanzar en ascendencia a un grupo de honorables caballeros entregados a la causa.  

No tan consagrados a la película se muestra el resto del elenco, formado por Ben Barnes, que no acaba de desengancharse del género (conocido por haber dado vida a Caspian en los filmes de Las Crónicas de Narnia), y la joven Alicia Vikander, caballero y bruja destinados a enamorarse. No es que Moore y Bridges, por su parte, se dejen la piel en cada embrujo, pero sí contrarrestan una producción confusa y elevan con su presencia el tono irregular del largometraje.

De lo que no se libran es de perpetuar estereotipos: retratar a los acólitos de la bruja Moore como afroamericanos, mujeres y hombres de estética queer salidos de una rave bien merecería una lectura académica de género. Quien se atreva.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 2 de enero de 2015.

The Imitation Game

The Imitation Game (Descifrando Enigma) (1,5/5 estrella) 

Poco de nuestro mundo hiperconectado existiría sin la figura de Alan Turing, padre, abuelo, pionero y precursor de la informática tal y como la conocemos hoy día.

En 2012 se celebró el centenario de su nacimiento y la efeméride sirvió de plataforma para una campaña que pedía al Gobierno británico una disculpa oficial por haber condenado al matemático en 1952 a causa de su condición sexual: con la ley de indecencia pública bajo el yugo, Turing admitió haber mantenido una relación sexual con un hombre y se sometió a un tratamiento de castración química experimental. Dos años más tarde murió suicidándose comiendo una manzana envenenada con cianuro.

Por fortuna, la disculpa no tardó (en diciembre de 2013 la Reina Isabel concedió el indulto póstumo a Turing) y, en cierto modo, The Imitation Game hace extensible esa intención de refrendar aquel terrible error. Una iniciativa loable aunque a la vista de los resultados, insuficiente. No con el legado de Turing, sino con la persona, con sus sentimientos, sus heridas y sus secretos.

Los secretos son a todas luces el mejor material con el que definir a Turing y el vínculo entre su sexualidad oculta y su pasión por la criptografía, un dato no especialmente sutil, explica la complejidad de un hombre entregado al misterio de los códigos indescifrables. Resulta triste que la película no alcance ni a desarrollar con delicadeza esta metáfora tan presta, por otra parte, a una poderosa puesta en escena: nada sobresale en este convencional biopic, ni tan siquiera Benedict Cumberbatch imitando a Turing (es probable que gane todos los premios de la temporada, pero no es la mejor interpretación de su carrera). Para alguien que aseguraba que “son las personas que no te imaginas las que hacen cosas que nadie puede imaginar”, con escasa imaginación ha quedado retratado. Cero genio. 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 2 de enero de 2015.

 

Big Hero 6

Big Hero 6  (3,5/5 estrellas) 

En ese extraño Golem que es hoy Disney, pues además de Pixar, la compañía también es propietaria de Marvel y Star Wars, faltaba una película que pudiera ejercer de emblema del espíritu fusión por el que apuesta la major para su plan de dominación del entretenimiento global. Si en su momento se especuló con que Wall·E venía a representar el apretón de manos de la casa fundada por Walt Disney con la de John Lasseter, ¿por qué no podría este Big Hero 6 aparecer como el primer producto que muestra que, en efecto, existe buena sintonía entre Disney y la empresa de superhéroes?

Basada en una serie de cómics de Steven T. Seagle y Duncan Rouleau para la Casa de las ideas y lanzada en 1998, Big Hero 6 nos sitúa en un futuro en que Estados Unidos y Japón son uno, San Fransoskyo concretamente, y en el que los protagonistas, comandados por el joven Hiro, son geniecillos científicos sin más poder que su cerebro bien entrenado. Lo cierto es que al ver la película la sensación de déjà vu es constante porque en vez de hacia el futuro el filme le teletransporta a uno al pasado, exactamente al cambio de milenio, incluso más atrás, pero ese hálito de nostalgia, que nos habla de una universidad creativa, de hackers y de robots pre-digitales, le imprime un curioso encanto. Los amantes del manga sabrán apreciar el filme, pero los de las tiernas historias de amistad Disney también.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 19 de diciembre de 2014.

 

Camino de la cruz

Camino de la cruz  (3/5 estrellas)

Más que narrar el camino de la cruz, el alemán Dietrich Brüggemann se propone explicarnos el vía crucis, que no es lo mismo, de María, una niña de doce años en busca de la santidad, y lo hace a través de catorce capítulos que son también catorce planos secuencia -de los cuales la gran mayoría son escenas fijas-, cuyos títulos aluden a las estaciones del Vía Crucis de Jesucristo. El objetivo que se pretende con ello es evidente, pero y pese al riesgo de que una estructura formal tan férrea eclipsara el relato de la película, Camino de la cruz consigue que en ningún momento perdamos la fe en su mensaje, a la postre, un toque de atención aliñado de mucho humor negro sobre los fanatismos y contra todo fundamentalismo religioso.

Así las cosas, Brüggemann no esquiva situaciones (desde el bullying escolar a los conflictos entre ciencia y religión) y en su relato, con todo, también abundan algunos lugares comunes y miradas inmisericordes algo fuera de lugar. No sucede con cómo dibuja a su joven protagonista, una chica no muy alejada de las jóvenes de su edad y que sólo busca amor y encajar en el mundo, con quien se muestra piadoso incluso en sus anhelos más delirantes. La inocencia de María no merece discusión: ella es una santa víctima. 

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 12 de diciembre de 2014.

Exodus

Exodus  (1,5/5 estrellas)

Ridley Scott dedica a su hermano Tony Scott -quien se quitó la vida en agosto de 2012- su película sobre el Moisés bíblico y la huida de Egipto del pueblo israelita quizá porque es el primer filme que realiza tras su muerte, quizá porque la cinta, más allá de reyes, dioses y mitos religiosos, trata sobre dos hermanos antagónicos a los que el destino enfrenta: el patriarca Moisés, interpretado por Christian Bale, y su hermanastro, el emperador Ramsés, a cargo de Joel Edgerton.

Exodus arranca precisando esa oposición, ese amor y espíritu competitivo fraternal, de una manera diáfana y a través de una impactante primera batalla de los egipcios contra los hititas que hace presagiar una película a la misma altura. Sin embargo, el trabajo no tarda en perder fuelle y comienza una lenta travesía por el desierto que va en paralelo con las dudas espirituales del patriarca, quien, por cierto, cuanto más se llena del espíritu del Yahvé judaico, peor cara luce.

Así las cosas, en Exodus Scott se muestra errático, da pasos en falso, se repite y transforma los prohombres protagonistas de este gran relato en meras marionetas sin personalidad, atrapadas entre la indecisión del cineasta por crear un trabajo de corte más o menos naturalista (es decir, explicar la rebelión de los hebreos bajo un prisma sociopolítico, como se aventura en un primer momento) o por sacudirnos con el magma de los efectos digitales, a lo que finalmente el largometraje se rinde con gusto. No es que moleste, pero hubiera sido preferible que Scott hubiese apostado antes por la grandilocuencia del CGI, especialmente en la secuencia de las siete plagas que hace caer Yahvé sobre Egipto. Demasiado breve para tan larga película.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 5 de diciembre de 2014.

Rastros de sándalo

Rastros de sándalo (1/5)

Para su adaptación al cine, María Ripoll ha variado ligeramente la novela de Asha Miró y Anna Soler Pont para centrarse en la trama de Mina, una actriz hindú de éxito, quien busca incesantemente a su hermana pequeña Sita, separada y abandonada en un orfanato cercano a Mumbai.

Esa búsqueda llevara a Mina a Barcelona, donde vive la hermana perdida, ahora una joven pubilla llamada Paula e interpretada de manera muy irregular por Aina Clotet, en el que es uno de los grandes patinazos de casting del año y uno de los desarrollos de personaje más alocados del cine patrio en mucho tiempo.

No es el único traspiés de la cinta: pese a un arranque colorista y poderoso, Ripoll no consigue que Rastros de sándalo cuestione los conflictos interculturales y al final la película se queda en una vaguedad algo cursilona.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 28 de noviembre de 2014.