Si Alain Robbe-Grillet ejercería de capo de la nouveau roman, otro Alain, Resnais, por mucho que se desmarcara de cualquier inclusión en la nouvelle vague, daría pie a toda una transformación cinematográfica con su ópera prima Hiroshima, mon amour (1959). Ambos talentos convergerían en 1961 en el proyecto de El año pasado en Marienbad; el primero, trabajando el guión, el segundo, plasmándolo tras la cámara.
No podía ser a priori una conjunción más estimulante de cara a la renovación del lenguaje cinematográfico. Robbe-Grillet ya había revolucionado las letras con su teoría de desprender de los protagonistas de sus relatos literarios su mundo interior. Quedaban, pues, desprovistos de características externas que los definían; los objetos ya no describían al sujeto y simplemente estaban allí. Las relaciones, entonces, entre sujeto y objeto, interior y exterior, percepción y realidad, debían escribirse de nuevo. Si no es posible la poesía después de Auschwitz, ¿cómo reemprender la ficción? ¿Qué imaginario tomar?
No era una unión casual la de Robbe-Grillet y Resnais. El cineasta ya andaba preocupado por como se tenía que filmar la nueva ficción que surgía de un mundo en ruinas , físicas y morales. Los primeros quince minutos de Hiroshima, mon amour son un compendio de esa preocupación: destrucción, mutilación humana, piedras y voluntad de memoria, pero, a la vez, narrativa disgregada: las imágenes transitan por un relato mientras que el audio parecen conducirnos por otro; la cámara lleva al espectador por vivas instantáneas de un mundo devastado tras la bomba de Hiroshima mientras, en off, una voz femenina dice que ha visto esto y lo otro, a lo que una masculina le contradice siempre con una misma respuesta: “no, no has visto nada”. De hecho, la primera imagen del largometraje sitúa un fragmento de dos cuerpos humanos cubiertos de ruina, de polvo. El abrazo de dos estatuas.
Algo ruinoso emerge, asimismo, de las imágenes de El año pasado en Marienbad. Asemejadas asimismo a estatuas de piedra caliza y abandonadas a su suerte desde lo que se intuyen años, los personajes del filme deambulan sin devenir por los pasillos del barroco balneario de Marienbad. La cámara parece buscar una salida mientras una voz en off nos introduce por ese espacio: "Una vez más recorro estos pasillos, atravieso estos salones y galerías en este edificio de siglos pasados...".
X meets A
La sinopsis de la cinta es tan simple como enigmática: en ese balneario sin ubicar, un hombre, X (Giorgio Albertazzi), intenta persuadir a una mujer casada, A (Delphine Seyrig), de que abandone a su marido, M (Sacha Pitoeff), y se fugue con él. Las razones que esgrime son claras: ella le prometió el año anterior, cuando se conocieron en ese mismo lugar, realizar tal aventura. La mujer, sin embargo, parece no recordar aquel encuentro.
A partir de esos personajes sin atributos, herederos, no cabe duda de los héroes musilianos, El año pasado en Marienbad se dedica a registrar cómo ese recuerdo de una promesa pasada puede llegar a persistir en el presente, de la misma manera que los árboles del jardín de ese balneario pueden existir sin proyectar algún ápice de sombra. ¿Deja la transmisión de ese hecho algún tipo de registro? ¿La repetición de ese momento imprime alguna huella? Décadas más tarde, Susan Sontag reflexionaría al respecto, de manera más intensa y ya abordando la sobre exposición de imágenes impactantes y sin duda merecedoras de un espacio en nuestra memoria en Sobre la fotografía y posteriormente en Ante el dolor de los demás. Aunque la tesis de la ensayista derivaría hacia ámbitos más políticos, de alguna manera, su origen converge con las direcciones que Robbe-Grillet y Resnais emprenden en El año pasado en Marienbad. ¿Cuánto de verdad emerge en el loop constante de una imagen que busca ser recuerdo?
Dobles en el jardín burgués
El trabajo de ambos Alain no busca, en todo caso, encontrar la verdad de la imagen, sino el proceso en que ese recuerdo es recordado. Del mismo modo que en Hiroshima, mon amour, el affaire de los protagonistas lleva a la catarsis de una relación pasada, aquí se emprende una estrategia de tablero de ajedrez en la que se transgrede el statu quo burgués tras el descalabro económico, social y moral que significó la Segunda Guerra Mundial. Por ello, los personajes aparecen retratados como muertos vivientes, sin un universo moral que los caracterice, desérticos, atrapados en un infierno donde sólo vagabundean repitiendo “la misma secuencia de gestos una y otra vez” [1] “No se trata, en el filme de Resnais, de distinguir a los muertos de los vivos, sino de entender los unos como los dobles de los otros” [2] aseguran Bou y Pérez, cuando recrean la conversación entre X y A al lado de la estatua del jardín, estatua de un hombre y una mujer frente a un jardín imperial, tomado por un elenco de burgueses zombis.
Lo fantástico aparece con la confusión del espacio en un tiempo inexacto, en el que presenta y pasado se intercambian sin lógica aparente, donde la acción se convierte en un mise en abîme pesadillesco y del que únicamente se podrá escapar de él, de tal ensueño, mediante la palabra. Mediante el logos. Como Orfeo con Eurídice, como Ariadna con Teseo. Punto de origen y de final de tal relato laberíntico. Él, el hombre X, emprende la palabra en un mundo de gestos banales, en un laberinto de oscuras tradiciones, para dar al verbo tal principio y fin. Él aparece como un elemento extraño, pero al mismo tiempo conocido, cuya presencia violenta el orden del balneario con su propuesta de adulterio, con ese rapto atávico que servirá para emprender la huida, quien sabe si tal vez para recabar de nuevo en Marienbad.
Padre del documental musical | El director de ‘Gimme Shelter’ es objeto de un doble homenaje en Barcelona
Paula A. Ruiz, Barcelona | 03/11/2008 | comentarios | Votar + 1- 0 | Imprimir
"Observa. Nunca hagas preguntas y deja que las cosas ocurran". Estas son las tres reglas que Albert Maysles (Boston, 1926) contestaba el pasado sábado en el Festival In-Edit como las esenciales para realizar un buen documental musical.
Aunque del direct cinema -del que es padre junto a su fallecido hermano David-, las obras de Pennebaker o Cassavettes son las recordadas, Maysles puede presumir de tener en su haber tres de los 25 mejores documentales del cine según la revista Documentary: Salesman (1969), Gimme Shelter (1970) y Grey Gardens (1976).
"Salesman es el documental del que estoy más orgulloso", explica. "Tras rodarlo, quisimos estrenarlo como si se tratara de una película corriente, pero ninguna distribuidora quiso apostar por nosotros. Al final, alquilamos una sala de cine y el resto es historia".
Música ante todo
Esa historia, como bromea, les abrió, de hecho, la puerta hacia la intelligentsia estadounidense. Norman Mailer dijo de ese trabajo que explicaba más de EE UU que cualquier otra película y los Maysles a punto estuvieron de devolverle el favor: la PBS (la televisión pública estadounidense) les ofreció dirigir un documental sobre el escritor de Los desnudos y los muertos que al final no llegó a hacerse. En vez de él, filmaron a Truman Capote en su momento más dulce. A sangre fría acababa de ver la luz.
Pero Albert Maysles confiesa que ante todo, lo que más le satisface realizar son documentales musicales. En el Festival In-Edit se pudo ver una buena muestra: de What’s Happening: The Beatles in the U.S.A. a Ozawa, sin olvidar Gimme Shelter, pedazo de historia en donde quedaron registrados los altercados de Altamont, cuando en mitad de un concierto gratuito de los Stones un asesinato a primera línea de escenario acabó con el sesentero verano del amor.
"No tuve miedo entonces. Sólo me preocupaba que todo quedara registrado", contesta sereno sobre el creciente caos que se palpa en el filme.
Esta semana, la Filmoteca de Catalunya retoma el testigo del In-Edit y presenta cinco ejemplos de su cine: Salesman, Showman, Grey Gardens, Umbrellas y Meet Marlon Brando.
PALMARÉS DEL IN-EDIT
Arthur Russell y Loquillo
Con la cifra final de 21.000 asistentes, el Festival In-Edit de Cine y Documental Musical premió ayer ’Wild Combination. A portrait of Arthur Russell’ como el mejor trabajo internacional de esta edición. La cinta de Matt Wolf descubre la sensibilidad de Russell y su versátil carrera: acompañó a Ginsberg en el San Francisco ’hippie’, impulsó el house en el efervescente Nueva York de los setenta y acabó sus días experimentando con la volubilidad del sonido en discos como ’World of Echoes’. En la categoría de documental nacional, el jurado escogió ’Loquillo. Leyenda urbana’, de Carles Prats, filme que inauguró el certamen.
No sucedía desde la guerra de Corea: Hollywood filma a la vez que Estados Unidos batalla. Pero, al contrario que durante la contienda que fracturó el país asiático, en la meca del cine no se oyen voces de apoyo y propaganda.
Con la guerra de Irak como escenario, el género bélico contestatario ha encontrado un filón que, tras cuatro años en activo -y de desgaste político para George W. Bush-, comienza ahora a dar sus frutos en taquilla. Y en la opinión pública.
Ni durante Vietnam -sólo se realizaron tres películas, todas propagandísticas y una de ellas dirigida por John Wayne, Las boinas verdes (1968) -, ni durante la primera Guerra del Golfo se generaron tantos filmes críticos con el momento presente como los que se estrenarán a lo largo de este otoño.
Perder la inocencia
Los muertos de Irak comenzaron a levantarse de sus tumbas en Homecoming, de Joe Dante, episodio de la serie Masters of Horror que ya se puede encontrar en DVD. Su guión, premiado en Sitges 06, no podía ser más claro: los zombies soldados regresaban no para devorar a los vivos, sino para votar en contra del presidente en las inminentes elecciones.
Brian De Palma ha dejado el humor para otro momento en su nuevo filme, Redacted, aunque también pone el dedo en la llaga. Realizada con retales ficticios de vídeos caseros y capturas telefónicas, el filme está basado en hechos verídicos: la violación de una adolescente iraquí y el asesinato de su familia por varios soldados de EEUU. El filme remite además, a otro anterior del estadounidense, pero ambientado en Vietnam: Corazones de hierro, con Sean Penn y Michael J. Fox.
Otra película que incide en la pérdida de la inocencia de las tropas es In the valley of Elah, Paul Haggis, donde un ex sargento (Tommy Lee Jones) indagará las razones por las que ha fallecido su también marine hijo tras regresar de Irak. También Nick Broomfield, en su La batalla de Hadiza, muestra el descenso a los infiernos de los marines. El británico se alzó con la Concha de Plata al mejor director en el pasado Festival de San Sebastián con este filme, también basado en un suceso verídico: la matanza de 24 personas como represalia a un ataque terrorista.
Y aún faltarán Rendition, de Gavin Hood, que acaba de estrenarse en EEUU, e Imperial Life of Emerald City, de Paul Greengrass y con Matt Damon, y The fall of the warrior king, con Tom Cruise, todas críticas, en mayor o menor medida, con el papel que los soldados y oficiales están llevando a cabo en el avispero iraquí.
Éxito agridulce
'Redacted', apaleada en EEUU
'Redacted', de Brian De Palma, ha provocado un bombardeo de críticas. Las chispas saltaron primero en los medios de comunicación: tanto desde la Fox, afín a la política 'neocon', como desde la CNN, se criticó la osadía de De Palma por producir un filme contestatario y acusatorio con la política internacional de EEUU. El director ha sufrido, además, la censura de una secuencia clave: la distribuidora en Norteamérica ha eliminado de su filme varias fotos reales realizadas en Irak. En Venecia, al contrario, le premiaron con el León de Plata al mejor director.
La Barcelona de 2008 no es el Nueva York de hace 30 años. Sin embargo, en menos de un mes, las anchas pistas del recinto Fira Gran Vía, que acogen Sónar de noche, se transformarán en el epicentro del sonido disco gracias a la tríada de bola de cristal, sonidos cosmicos y baile que destilan los nuevos herederos de Giorgio Moroder. La elegancia funk de Chic, en Sónar 2006, o el apabullante regreso de Black Disco Music Club, en 2007, fueron los primeros visos de una tendencia que este año resuena con fuerza en las pistas de baile en todas sus posibilidades.
El Festival de Música Avanzada hace coincidir este en esta 15 edición a dos recién llegados al revivalismo disco junto a una de las leyendas de la evolución del género. La noche del viernes será cuando brillen los neoyorquinos Hercules & Love Affair, gracias a su reciclaje del sonido disco en el sello DFA y a un hit, Blind, con la poderosa voz de Antony Hegarty, quien no estará presente en el festival. Poco después se les sumará el histórico padrino del sonidohouse, el djFranckie Knuckles.
Una noche después, Neon Neon, el experimento italo del californiano Boom Bip y el galés Gruff Rhys, de Super Furry Animals, harán brillar la pista de baile con su ritmos de flúor lila de discoteca.
La clásica estampa de la alfombra roja peligra más que nunca a causa de la gravedad que ha tomado la huelga de guionistas. Muchos temen no poder ir a recoger la ansiada estatuilla en el Kodak Theatre. EPA
La cancelación de la ceremonia de entrega de los Globos de Oro no ha hecho más que destapar la caja de Pandora.
Los premios de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, Los Ángeles, no han supuesto excepción alguna para los guionistas, que están llevando su huelga hasta el límite y prefieren no festejar ser premiados mientras se encuentren en lucha contra los estudios.
Sin duda, tal presión no ha resultado baladí para cancelar la gala a seis días de celebrarse -el sindicato de guionistas mantiene para el domingo los piquetes a pie de alfombra roja-, pero lo que ha provocado esta decisión ya irreversible ha sido el incondicional apoyo del sindicato de actores, las sempiternas estrellas y el gancho en la retransmisión televisiva del evento. ¿Mantendrán tanto guionistas como actores su postura de cara a la gala de los Oscar, el próximo 24 de enero?
Suspensión histórica
Ni siquiera en períodos de guerra: jamás se había cancelado la ceremonia de los Globos de Oro y, mucho menos, la de los Oscar. Los dos anteriores paros de los guionistas -en 1960 y en 1987- no impidieron que se celebraran ambas galas, pero el cariz que está tomando esta huelga está ensombreciendo la temporada de condecoraciones en la meca del cine: será, en sus 65 años de historia, la primera vez que se suspenda la entrega de estos premios, considerados como la antesala de los Oscar.
Desde la Academia de Hollywood -que este año celebra el 80 aniversario de sus premios- se teme lo peor. Por el momento, todo continúa según el guión y la gala tendrá lugar el 24 de febrero en el Kodak Theatre de Los Ángeles.
En sólo tres ocasiones se ha pospuesto la ceremonia: en 1938, en 1968, por el asesinato de Martin Luther King Jr., y en 1981, debido al intento de asesinato del entonces presidente Ronald Reagan. En 2003 se canceló el clásico desfile de la alfombra roja a causa de la irrupción de la guerra de Irak.
Dos sindicatos unidos
Cuando han transcurrido más de dos meses desde el inicio del paro de guionistas, la situación en Hollywood se encuentra en un callejón sin salida.
A la ayuda en las calles de los actores cuyas palabras escriben, se le unió el apoyo en medios de comunicación, internet y otros canales. El último paso tuvo lugar la semana pasada cuando el sindicato de actores anunció que los intérpretes nominados boicotearían la celebración en solidaridad con los guionistas.
Acuerdos paralelos
Ha tenido que ser el actor Tom Cruise quien anteayer llegara a un acuerdo privado con el sindicato de guionistas, a través de su productora independiente United Artists (UA). El contrato es provisional y es muy similar al logrado hace apenas un mes por la productora Worldwide Pants, responsable del late show de David Letterman.
La huelga mediática
A diferencia de los anteriores paros, esta huelga será recordada por su difusión mediática. No sólo por la extraordinaria cobertura que está recibiendo de la prensa diaria y las principales publicaciones cinematográficas (Variety, The Hollywood Reporter y Entertainment Weekly ofrecen información actualizada casi al minuto de lo acontecido), sino también porque se han aprovechado todos los canales para hacer llegar el enfado de los escritores: en blogs como unitedhollywood.blogspot.com, o en videos de YouTube protagonizados por Woody Allen o Sean Penn, entre otros ejemplos, se pide el apoyo a los guionistas.
Pérdidas millonarias
Los aproximadamente 12.000 guionistas sindicados siguen manteniendo su pulso contra los dirigentes de los estudios. Por ahora, no hay fechas para nuevas negociaciones y Hollywood permanece paralizado, algo que está costando millones a la ciudad de Los Ángeles y la consecuente preocupación del gobernador de California, Arnold Schwazenegger.
En 1960, la huelga de escritores se prolongó durante seis meses, y en 1987, una semana más que la anterior. Aún quedan semanas para igualar esos paros, pero los guionistas han logrado algo más que peones en su férrea estrategia: primero fueron las series de televisión y rodajes cinematográficos, luego la gala de los Globos de Oro. Cabe esperar si se cancelará o no la ceremonia de los Oscar.
El festival ’online’ Teaserland reivindica la independencia creativa del formato
Paula A. Ruiz ADN | 30/09/2008 | comentarios | Votar + 1- 0|
’El exorcista V’ es el tráiler falso que Jaume Balagueró ha realizado para Teaserland.
ADN
En marzo de 2007, en el festival de música y cine independiente South by Southwest, celebrado en Austin, Texas, Robert Rodriguez convocaba un concurso para escoger los mejores tráilers de películas falsas e incluirlos en el arrollador díptico Grindhouse.
Ni Rob Zombie, Eli Roth y Edgar Wright, incluidos en ese doble feature, sudaron tanto por ver su trabajo dentro de la película como los participantes del concurso -que no tuvieron tanta suerte-, aunque todos se sabían entonces partícipes de la recuperación de un género inaugurado junto a las spoof movies y poco explotado por la industria: los tráilers falsos.
Ahora que internet ha hecho rejuvenecer losclips convencionales y se ha convertido en la nueva aliada de la promoción cinematográfica gracias al marketing viral, el género está comenzando a mirarse a si mismo. Y si el cine de parodias encontraba material en los grandes éxitos del año (Top Secret emulaba a Top Gun, Casi 300 a 300,dos ejemplos claros), ¿por qué el tráiler, en un movimiento contrario, no puede explicar una película que jamás ha existido?
Cantera de nuevas ideas
Festivales como Teaserland, el primero dedicado a este formato, demuestran que es posible. Xavier Bru, su director, explica, desde su despacho en Barcelona, sobre el porqué de este formato: "El tráiler selecciona lo mejor de una película y es una decisión consensuada entre lo que quiere el productor y lo que busca contar el director. Ya por esa razón, el género, el del tráiler normal y corriente, tiene algo de falso".
El festival se celebra por internet: desde el pasado 15 de septiembre y hasta el próximo 31 de diciembre está abierta en la web del certamen la convocatoria, de caracter internacional, para participar y poder lograr el premio: financiación para un futuro cortometraje. De hecho, más que reivindicar el género, la intención del festival, como confiesa Bru, es "buscar nuevos valores".
De momento, sólo se ha estrenado el tráiler falso de Jaume Balagueró. Sus primeros planos pueden sugerir un spin off de REC -similar escalera del Ensanche, religión y misterio entremezclados-, aunque más bien de El exorcista V.
El director de Los sin nombre es sólo el primero de los diez realizadores invitados a producir un tráiler para el evento. Los trabajos de Isabel Coixet, Juan Antonio Bayona, José Corbacho, Juan Cruz, Paco Plaza, Raúl García, Bill Plympton, Enrique Urbizu y Jaime Rosales se proyectarán, además de en la web, en el inminente Festival Internacional de Cine de Sitges, con el cual está hermanado Teaserland.
CRONOLOGÍA DE UN GÉNERO
’Catholic high school girls in trouble’ Zucker, Abrahams y Zucker lo bordaron:Kentucky Fried Movie (1977) fue a las spoof movies lo que Catholic High School Girls in Trouble al tráiler falso: el principio de todo.
’Machete’
El tándem Rodriguez Tarantino resucitó el género en Grindhouse (2007), pero el mexicano fue el gran victorioso, por encima de Eli Roth y Rob Zombie, con Machete.
’Satan’s Alley’
Es una de las perlas de Tropic Thunder (2008): Robert Downey Jr. encarna a un monje colado hasta los huesos de Tobey Maguire en el tráiler de la inexistente Satan’s Alley.
’Medellín’
En El séquito, emitida en La Sexta, se toman más en serio el formato, por algo Vincent Chase y sus amigos están donde están. Medellín es su primer salto a la dirección.
Ashton Kutcher: ’La persona que más admiro es Demi, mi mujer’’
Es el chico de oro en Hollywood y en las redes sociales. Ashton Kutcher sigue sumando una carrera de éxitos labrados a base de un físico espectacular, una visión innovadora de los negocios y una vida personal a todas luces espléndida junto a su mujer Demi Moore. FOTOGRAMAS ha hablado con el actor con motivo del esteno de su nueva película, ’Killers’.
Paula A. Ruiz - FOTOGRAMAS - 13/08/2010 Valoración
"’Killers’ tiene el estilo de las comedias de enredo del cine clásico de Hollywood’
Katherine Heighl y Ashton Kutcher, pareja de acción
Poco podía imaginar Ashton Kutcher (Cedar Rapids, Iowa, 1978) cuando estudiaba ingeniería bioquímica en la universidad que la revista Time llegaría a considerarle un día una de las personas más influyentes del mundo. Junto a la actriz Demi Moore, con quien está casado felizmente desde hace cinco años, forma una de las parejas más singulares y sorprendentemente estables de Hollywood, pese a la diferencia de edad. Kutcher, curtido en la televisión y en comedias adolescentes y románticas como Colega, ¿dónde está mi coche? (Danny Leiner, 2000), Algo pasa en Las Vegas (Tom Vaughan, 2008) o American Playboy (David Mackenzie, 2009), ejerce, además, de productor a través de su empresa Katalyst y se ha convertido en una suerte de gurú de las nuevas tecnologías gracias a su total implicación en las redes sociales. Facebook, Twitter, blog, una aplicación para el iPhone... Mientras redefine el papel de la estrella de Hollywood en la era 2.0, el actor sigue imbatible como uno de los galanes más atractivos de la meca del cine. Su nueva película, Killers(Robert Luketic, 2010), da buena fe de ello.
Mucho más que un actor
Comedia romántica, película de acción... Killers parece el film ideal para las parejas. ¿Lo ve usted así? Estoy de acuerdo contigo al 100 por cien: todas las parejas deberían ir a ver esta película (risas). En realidad esa era la idea: hacer un film que enganchara a todo el mundo, que fuera puro entretenimiento y pudiera gustarle a cualquier persona: a un soltero o soltera, con pareja, casado o casada…
¿Y cómo llegó a involucrarse tanto como para incluso producirlo? ¡La historia original es mía! Escribí un primer guión hace tres años, y fue pasando de guionista en guionista hasta que volvió otra vez a mis manos, pero con elementos nuevos y... ¡mucho más interesantes! Tenía este tono entre romántico y de película de acción que me encantó. Entonces todo comenzó a ponerse en marcha de manera natural. Ya desde el principio tenía en la cabeza a Bob Luketic como director. Una rubia muy legal (2001) me parece una película genial. Y el guión, que finalmente acabó de retocar Bob DeRosa, tiene el estilo de las comedias de enredo del cine clásico de Hollywood. No me iban a dejar hacer una versión americana de James Bond, así que pensé en hacer otra cosa.
Después de haber levantado unos cuantos programas televisivos y films, Killers es el segundo largometraje que produce en el que además actúa, y el primero en el que se enfrenta a las escenas de acción sin la ayuda de un doble. Llevo bastantes años produciendo, pero con Killers creo que he aprendido mucho. Primero, porque es la película más cara a la que me he enfrentado (60 millones de euros) y, en este sentido, me siento muy satisfecho con mi trabajo. Primero rodamos la primera parte, la parte romántica, en la Riviera francesa. Y, en vez de hacer un Sol maravilloso, nos encontramos con un tiempo horrible. A pesar de eso, fue increíble conocer ese lugar. No fue el único handicap al que tuvimos que hacer frente, pero, al final, lo que importaba era hacer la película con el presupuesto previsto y en el tiempo previsto. Y respecto a lo del doble, ¡sí que había uno haciendo las escenas de acción en la película! Eso sí, rodé muchas de esas escenas porque mi doble acabó dos veces en el hospital tras herirse atravesando una ventana. En concreto, en la parte de Niza, en la primera escena de lucha, no recurrimos a ningún doble. Es decir, que soy yo quien pelea encima de ese yate. Ahora te puedo asegurar que no sé si fue buena idea, porque pegué demasiado fuerte a otros compañeros. Está claro que lo mío, definitivamente, son los chistes.
Pero su papel es todo lo contrario al estereotipo de jovencito seductor y gracioso al que tiene acostumbrado al público. Sí, mi personaje en Killers tiene más los pies en la tierra que otros que he interpretado en el pasado. Creo que es un poco más maduro, que quiere otras cosas de la vida: no solo salir de fiesta y divertirse. Supongo que es natural. Las personas evolucionan. Imagino que puede estar relacionado con cómo soy ahora. La película es sobre un tipo que únicamente quiere ser normal. La gente busca lo extraordinario en sus vidas, sin darse cuenta del valor que tienen las cosas cotidianas: despertarse cada mañana y tomar un café, leer el periódico o ir a pescar. Creo que se está perdiendo esta manera de disfrutar de las cosas sencillas.
Y como en la película, ¿usted también ha sacrificado cosas por amor? Mi personaje tiene una vida extraordinaria, que decide abandonar cuando conoce a la persona adecuada. Yo me sentía muy conectado con esta idea de querer una vida normal. En una relación, siempre hay que hacer sacrificios para que todo funcione.
A la sombra de Tom
¿Cómo surgió la idea de recuperar a Tom Selleck para el papel del padre de Jen (Katherine Heigl)? La idea de incluir a Tom Selleck en el reparto fue mía. Llevábamos un tiempo discutiendo quién podría interpretar el papel del padre. No nos poníamos de acuerdo y, una tarde, mientras iba conduciendo de camino a casa se me ocurrió: ¿Por qué no Tom Selleck? De repente pensé que era genial. Necesitábamos a alguien alto y con mucha presencia, que fuera capaz de mirarme a los ojos y hacerme sentir muy pequeño, porque yo también soy bastante alto. Y Tom es una leyenda gracias a sus papeles en televisión (las series Magnum y Las Vegas, o los telefilms de Jesse Stone), con lo que es imposible que no te imponga respeto. Y, además, ¡es un tipo enorme!
¿No pensó en dejarse durante más tiempo el bigote que luce? He intentado dejarme bigote desde que me empezó a salir barba. Pero nunca voy a tener el de Tom Selleck: él tiene más testosterona en su meñique izquierdo que yo en todo mi cuerpo.
Usted siempre ha tenido muy buena química con las actrices con las que ha compartido película. ¿Cómo ha sido en este caso con Katherine Heigl? En una comedia romántica lo más importante es que haya química entre los actores y que se transmita a la pantalla. Por suerte, no tuve esas dudas con Katherine. Ella es una mujer muy divertida. Tiene una habilidad para improvisar espectacular. Lleva desde muy joven en esto y conoce todos los trucos para salir más que airosa de una escena.
El rey de internet
En la película, todo el mundo esconde algún secreto y se bromea con la idea de que no se puede confiar en nadie. ¿Cree que es bueno tener secretos con las personas que le rodean? Se puede confiar en algunas personas. No en todo el mundo, claro. Al final de la película todos los personajes intentan ser sinceros los unos con los otros, pero yo soy de los que piensa que es bueno guardar algún secreto en el matrimonio. Creo que mantiene el misterio.
Pero le será difícil tener secretos teniendo en cuenta todas las redes sociales en las que participa. Sobre todo porque en Twitter le siguen más de cinco millones de personas. Por mi trabajo en Katalyst, que también tiene un departamento de tecnología digital, estoy en todas las redes sociales que puedo. Pero de ellas, Twitter me permite expresarme como yo quiero, como soy. Lo que quiero decir llega directo, sin mediaciones, y me conecta con la gente, con lo que piensan, con lo que les interesa de mí y lo que les parece mal. No me preocupan las críticas que la gente me hace llegar a través de Twitter. Al contrario: me ayudan a ser mejor en mi trabajo.
La revista Time le ha nombrado una de las 100 personas más influyentes del mundo, en parte debido a su omnipresencia en las redes sociales. ¿Lo considera uno de sus mayores triunfos? Depende de lo que consideres ser influyente. Yo no lo veo como si fuera el mayor triunfo en mi vida. Cuando fuimos a la cena de la revista, de repente me vi rodeado de un montón de gente que admiraba (médicos, políticos, investigadores...), y confieso que me gustaba esa sensación: pensé que ese era el tipo de compañía que quería tener a mi alrededor. Esa gente sí que eran triunfadores.
Y de todas esas personas que se encontraban en la cena, ¿podría decirme quién de ellas merece su mayor admiración? La persona que más admiro en mi vida estaba en esa cena sentada a mi lado: es mi mujer Demi.
"Para aceptar un papel soy muy instintivo. Necesito apasionarme por la historia."
Liam Neeson en ’Furia de Titanes’
Héroe a su pesar
En Hollywood ha pasado de cintas de ciencia-ficción a protagonizar, ahora, una película mitológica. ¿Qué le atrajo del proyecto de Furia de Titanes? Primero me creí el proyecto. Y confiaba en el equipo. Además, se me ha dado la posibilidad de trabajar a fondo el personaje, de transformarlo, adaptarlo a mi manera de concebirlo, siendo fiel a la historia, pero sabiendo que podía hacerlo evolucionar.
¿En qué se diferencia su Perseo del que interpretó Harry Hamlin en la película original de 1981?
Es más complejo. Furia de Titanes es una película de acción, pero a veces llega a ser un drama muy intenso. La veo como una historia sobre venganza y justicia. Perseo es el chico de oro de los dioses, pero crece de modo salvaje, tras ser abandonado en una barca por los caprichos divinos. Al principio no sabe de su naturaleza y, cuando comienza a intuir que es a la vez un hombre y un dios, se siente atormentado. Rehúye su condición. Esa es una de las grandes diferencias con la primera película, en la que acepta los regalos de los dioses: el casco, el escudo, la espada... acepta esa parte de ser un dios sin cuestionarlo, y finalmente, su misión le conduce a ese estado sobrehumano. El Perseo que yo interpreto, sin embargo, quiere concluir su misión como un humano. Definitivamente, no quiere ser un dios.
¿Han sido más duras las escenas de acción que en Avatar?
Soy australiano, llevo la acción en la sangre (risas). Con Avatar y Terminator Salvation ya me acostumbré a tener que filmar delante de una pantalla verde. El rodaje, a pesar de eso, ha resultado duro, pero, por suerte, tenía la fantástica ayuda de entrenadores y dobles. Aunque en la película he intentado hacer casi todas las escenas de acción, sin recurrir a la ayuda de un doble. La verdad es que he mejorado mucho mi habilidad con la espada. Ha sido un rodaje especialmente físico. Jim Cameron trataba de que no se notara la distancia que provoca la pantalla verde y aquí, pese a que es también una cinta de efectos especiales, es también un trabajo muy orgánico.
¿Mantiene relación con Cameron?
Jim es un director y un tipo muy abierto. Pasamos 14 meses rodando, y más meses aún con la promoción de la película. La verdad es que tenemos una relación muy constructiva. Le veo como un amigo, no solo por lo que ha hecho por mí.
El valor del instinto
¿Cuál es su baremo a la hora de aceptar uno u otro papel? Para aceptar un personaje acostumbro a ser muy instintivo. Necesito sentir cierto magnetismo con el equipo de rodaje, ya que vamos a pasar meses trabajando juntos, pero, sobre todo, tengo que apasionarme por la historia.
¿Cambiaría alguna de las decisiones que ha tomado? ¿Está bromeando? ¡Estar en Hollywood es una de las mejores cosas que me han pasado! Me gusta probar diferentes roles: esa es nuestra misión como actores. Hacer creíble cualquier historia, sea cual sea la circunstancia. La única diferencia entre las pequeñas producciones y las grandes es el tamaño: cuando hay más presupuesto, el set de rodaje se hace más grande, y las explosiones son más y más contundentes.
¿Ha pensado en regresar a Australia? ¡Por supuesto! Volver a mi país para rodar es una de mis metas para el futuro. Tengo la suerte de poder estar trabajando en Hollywood y de aprender de esta industria, con lo que espero poder invertir este conocimiento en la industria cinematográfica de Australia.
A menudo me pregunto si es posible desvincular una secuencia cinematográfica del momento personal en el que uno se encuentra. Como me sucede con las canciones, muchas imágenes se quedan pegadas en mi memoria según tal o cual experiencia que las enmarca. En el caso de ’La saga de Gösta Berling’, difícil no olvidar cómo me llegó la película y la célebre y apasionante travesía por el lago helado de Greta Garbo y Lars Hanson.
Era el 28 de junio del año pasado, el día anterior acababa de cumplir 32 años y a la hora de comer me echaron del trabajo. Me sentía tan devastada, apenas sin dinero ni más perspectiva que finalizar la escritura de mi tesina, que me fui a casa con el recio sol de mediodía golpeándome la nuca. Ya en mi calle, sin poder aguantar el pesar, me llegó un correo de Gonzalo de Lucas con un Youtube y un par de frases. La última ("aquí va otra forma de conmover un rostro") se quedó ahí colgando como un verso suelto y una emoción prometida hasta que le di por fin al play.
Después del éxito de ’Avatar’ estrena ’Furia de Titanes’
Sam Worthington: "Todos los actores tememos al desempleo"
Sam Worthington ha dejado atrás la etiqueta de promesa. “Avatar” le ha lanzado al estrellato, y su papel de Perseo en “Furia de Titanes” le va a convertir en el nuevo héroe de acción del siglo XXI. Pero es realista y tiene los pies en el suelo, por si acaso vuelve al anonimato. FOTOGRAMAS entrevistó a la nueva estrella anglo-australiana en el rodaje de la película, que estrena este mes.
Paula A. Ruiz (Londres) - Fotogramas - 23/03/2010 Valoración
"Odio a la gente que cree que lo mejor de ser actor es ver tu cara en las revistas"
Sam Worthington en ’Furia de Titanes’
Inglés nacido el 2 de agosto de 1976 en Godalming (Surrey), de muy joven se trasladó con sus padres a Perth, en Australia. Pasados unos años, Sam Worthington vendió hasta la nevera y se marchó del país de los canguros en busca del Sueño Americano cargado solo con un par de maletas: una llena de ropa, la otra con libros. De eso hace ya cinco años. Le gusta recordar esta anécdota cuando se le pregunta si no le asusta todo lo que le está viniendo encima. Le dije a Jim (Cameron): Te doy mis dos maletas porque es lo único que tengo. Y desde entonces no he parado de trabajar. Sigo viajando con esas mismas dos maletas. Convertido en el nuevo héroe de acción de la fábrica de sueños, Worthington está decidido a mantenerse en la cresta de una ola que no ha hecho más que comenzar a crecer. Le gusta guardar la distancia y desdeña los elogios rápidos. Frunce el ceño y su gesto intimida; como si su mirada estuviera cargada de gravedad. Sabe bien qué se espera de él y, aunque su rudo acento australiano despiste, tiene un enorme sentido del humor: suelta una carcajada y continúa la frase con un inesperado: ¡Que le den al miedo al futuro! En el pasado, le vimos, en pequeños papeles, en Bootmen(Dein Perry, 2000), La Guerra de Hart (Gregory Hoblit, 2002) o El Territorio de la Bestia (Greg Mclean, 2007). Tras el éxito fulgurante de Avatar (James Cameron, 2009), y en menor medida de Terminator Salvation (McG, 2009), y con el proyecto de convertirse en el nuevo Drácula bajo la dirección de Alex Proyas, Worthington estrena ahoraFuria de Titanes, dirigida por Louis Leterrier a partir de la película rodada por Desmond Davis en 1981. Sin duda, es el chico de oro de Hollywood, y no piensa desaprovecharlo. Dentro de nada todo el mundo sabrá quién es Sam. No somos los únicos en habernos dado cuenta de lo rematadamente bueno que es, explicaba Christian Bale, su compañero en Terminator Salvation, en el FOTOGRAMAS de junio del año pasado.
Un tipo curtido
El triunfo de Worthington ha sido una carrera de largo recorrido. Sin un objetivo claro, recién estrenada la juventud se marchó de la casa familiar de Perth para probar suerte. Sus compañeros de escuela le recuerdan con cariño, pero como un auténtico macarra: Iba siempre con unos tejanos desgastadísimos y botas militares. Parecía un quinqui. Todos lo parecíamos en esa época. Y ha conseguido lo que ha conseguido porque ha trabajado muy duro. Se metió a actor por casualidad: Estaba viajando por el país y trabajaba de albañil ocasionalmente. Conocí a una chica que iba a presentarse a la escuela de interpretación de Sydney, donde habían ido Mel Gibson o Cate Blanchett. Es la más prestigiosa. El caso es que yo también hice la prueba, más que nada para apoyarla moralmente... Me cogieron a mí, y no a ella. Rompimos. Así que de nuevo se puso a trabajar, esta vez como actor en films locales y series televisivas. No era muy distinto de construir casas, recuerda. Estudiabas las escenas, el material, y entonces hacías lo que el director te decía. Casi daba igual hacerlo sereno o bebido. Con el reconocimiento de Somersault (Cate Shortland, 2004) comencé a tomarme la interpretación de manera seria. Dejé de ser el actor perezoso que era hasta entonces. Dejarse un poco más la piel en el rodaje le valió el premio al Mejor Actor en los galardones del Australian Film Institute. Y un nuevo paso en sus ambiciones.
En todas las entrevistas repite que los actores australianos tardamos como unas 15 horas en avión para llegar a Estados Unidos, así que no estamos para perder el tiempo. Desde que decidió dar el salto no lo ha perdido, precisamente. Se presentó a la audición que James Cameron realizaba para encontrar al protagonista deAvatar, obviando a Matt Damon o Jake Gyllenhaal, dos de los nombres que le había recomendado el estudio, y el director de Titanic (1997) no lo dudó. Ya tenía a su Jake Scully.
Valor en auge
¿Había algo que no se esperara de todo esto? ¿Todo?
Al principio, le etiquetaban como el nuevo Russell Crowe... Él ha hecho cine en Australia. Yo también. Hemos hecho films de acción y tenemos este acento australiano tan marcado. Pero no soy el nuevo Crowe. Solo hay un Crowe, y solo un Sam Worthington.
De Australia a la fábrica de sueños. ¿Cómo ha encajado el cambio? Durante los últimos cuatro años, mi vida ha cabido en una maleta. Todos los actores temen el desempleo, así que me siento muy afortunado. De hecho, aún sigo sintiendo ese miedo a volver a esa situación. Tengo 33 años, y no 23. Creo que tengo los pies en la tierra. En realidad, en lo único que pienso es en mi próximo trabajo.
¿Y qué piensa sobre haberse convertido en el nuevo chico de moda en Hollywood? ¿Eso tampoco le intimida? Cualquier actor sueña con una situación así; sino, es un imbécil. Eso sí, el éxito aumenta la presión y el miedo a que todo se vaya a la mierda. Puedes agotarte enseguida debido al ritmo frenético de algunos rodajes, sobre todo si empalmas uno con otro, así que has de tener las cosas muy claras. He tenido la suerte de haber logrado papeles que me interesaban, de trabajar con gente de mucho talento y en buenas películas. No sé si eso es ser el chico de moda.
¿Le ha beneficiado ser el descubrimiento de Cameron? Sería tonto si dijera que no me ha ayudado para nada. Era obvio que todo el mundo iba a fijarse en mí. La presión a la que me refiero va más allá del cine y de lo que le rodea en un primer término. Es verse en las portadas de revistas, convertido en modelo, en sex symbol...
Pero en las revistas está constantemente ofreciendo esa imagen de tipo duro... Lo que las revistas escriben es lo que quieren ver de mí. Yo soy como soy, es así de sencillo, y la gente lo comprenderá o no. Hay cosas sobre las que no tengo el control. Podría tratar de rebajar mi temperamento, pero seguiría siendo yo. Al final, la gente acaba viendo en ti la imagen que desea ver.
