'Borgman'

Borgman (2,5/5 estrellas)

¿Hacia dónde y hacia quién dispara Borgman? Esta suerte de demonio de las profundidades terrestres, un pequeño fauno que emerge literalmente del campo al ser perseguido por una pequeña tropa liderada por un sacerdote nada más arrancar la película, está dispuesto a revelar los puntos flacos de la sociedad pudiente y dañarla hasta su mismo tuétano. Solo o acompañado. Es lo que tiene abrirle la puerta al mal. Al menos eso es lo que nos dice Alex van Warmerdam, quien plantea en su última cinta (una de las pocas holandesas que ha logrado competir en Cannes y que se llevó el premio al mejor filme en el último Festival de Sitges) una home invasión excéntrica repleta de giros truculentos, desarrollos de personajes inesperados, algún que otro asesinato y bastantes interrogantes.

No es difícil ver en su propuesta una alegoría contra la clase media acomodada, objeto de los ataques de Camiel Borgman y su cuadrilla, pero lo que podría haber sido una verdadera crítica hacia la vida ficticia de esa clase social se transforma en una cinta demasiado ensimismada en su propia extravagancia, en sus argumentos alocados y en sus contradicciones internas para que su mensaje último sea tomado todo lo serio que pretende. ¿Crea realmente Borgman la inquietud en el espectador que busca Van Warmerdam? Lo cierto es que como comedia perversa funciona en según qué momentos, pero como remedo de la turbadora Funny Games (1997), de Michael Haneke, y actualización de la pesadilla burguesa, el experimento se queda bastante a medias. 

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 4 de julio de 2014.

'Open Windows'

Open Windows (2,5/5 estrellas)

A lo largo de los años ochenta, el cine nos alimentó con relatos que funcionaban como catarsis ante la neurosis del avance tecnológico: desde la trilogía Poltergeist al Videodrome, de Cronenberg, el miedo a la pantalla depredadora es una constante toda vez que esas ventanas a otros mundos se han convertido en cotidianas. La pantalla, en efecto, es una puerta pero a la vez una amenaza.

Nacho Vigalondo no se aleja de esa reflexión ambivalente en torno a la tecnología en la crítica al vouyerismo propiciado por las nuevas ventanas digitales que planea en su primer thriller, Open Windows. Para ello, se lanza en triple salto mortal con un dispositivo audaz pero algo tedioso: todo (más bien casi todo, y disculpen el spoiler) sucede en la pantalla del ordenador del protagonista, Nick Chambers (Elijah Wood), un jovenzuelo loco por Jill Goddard (Sasha Grey), actriz a la que espera conocer esa misma noche cuando finalice la presentación de su nuevo filme, que está siguiendo desde su portátil y que nosotros, como espectadores, vemos a través de los ojos de Chambers. Es decir: su pantalla es nuestra pantalla. 

Lo que continúa es un thriller tan desbordante como errático, de nuevo ejemplo del magma creativo de Vigalondo en el que el cineasta conjuga su catálogo personal de referencias (del giallo a Brian de Palma pasando por la serie B de Carpenter y el humor de media carcajada) con un flujo constante entre las distintas interfaces de las ventanas digitales que se van abriendo a medida que la tensión avanza.

A Open Windows, no obstante, le faltan sobresaltos y le sobran giros finales. Como película de suspense, resulta poco trepidante y demasiado arrítmica (algo que parece marca de la casa); aunque como salto al vacío que especula sobre ese abismo digital que ya está emergiendo para engullirnos a todos, bien merece su interés.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 4 de julio de 2014.

'De caballos y hombres'

Of Horses and Men (4/5 estrellas)  

En la mirada del caballo se refleja la condición humana. Las primeras imágenes de De caballos y hombres auguran lo que Benedikt Erlingsson nos tiene preparado en su ópera prima, conformada por una serie de fábulas que tienen a varios equinos como eje conductor, todas ubicadas en un pueblo islandés suerte de microcosmos desde el cual poder ahondar en el pathos de la existencia. Mucho humor negro (quien conozca al sueco Roy Andersson reconocerá la influencia), situaciones embarazosas y absurdas, dramas de supervivencia y experiencias tan increíbles como tiernas y cercanas se dan cita en este singular largometraje, entre los debuts del año.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 27 de junio de 2014.

'El cielo es real'

El cielo es real (0/5 estrellas) 

No nos engañemos: las películas están para hacer visible lo invisible, que diría el totémico Jean-Luc Godard. Para construir las imágenes que no podemos ver, veladas por la apariencia de lo real. Aunque puedan parecer una boutade sus palabras para hablar de El cielo es real, lo cierto es que no podrían ser más adecuadas, máxime cuando Godard ya trató de acercarse a lo divino en Yo te saludo, María, su trabajo más místico al girar en torno a la concepción cristiana, la posibilidad de creer sin ver, la fe. El protagonista de El cielo es real también está muy preocupado por su fe, pues su hijo pequeño dice haber estado en el cielo y con Jesús, pero cuesta creerle si se tiene en cuenta la penosa puesta en escena que propone su director, Randall Wallace. El día que una película religiosa consiga superar la estética kitsch que encontramos en programas como Cuarto Milenio, nos la tomaremos en serio. Mientras tanto…

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 20 de junio de 2014.

'Meteora'

Meteora (3/5)

Los Monasterios de Meteora a los que hace referencia el título de este segundo trabajo de Spiros Stathoulopoulos, se encuentran al norte de Grecia, en la cumbre de una serie de masas rocosas erectas y talladas por la erosión, y son centros neurálgicos del monacato ortodoxo griego. En ese escenario único y profundamente espiritual, suspendido en el tiempo, un joven monje ortodoxo griego y una monja ortodoxa rusa se enamoran, poniendo en escena la tensión entre deseo y devoción, lo humano y lo divino. En muchos momentos ese cuestionamiento es abrumador, de imágenes negras y alejadas de nuestro presente, hondas y casi sacras, pero en otros parece que el cineasta se pierda buscando precisamente cómo plasmar esa idea de amor prohibido, y sus esas emociones contradictorias, tan complicado de transmitir.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 13 de junio de 2014.

'Donald Rumsfeld, certezas desconocidas'

Donald Rumsfeld, certezas desconocidas (2,5/ estrellas)

Entre lo sutil y lo simple, Errol Morris se enfrenta al hermético Donald Rumsefled para tratar de descifrar al otrora secretario de Defensa de la administración Bush Jr. y propulsor de la guerra de Irak. Su trayectoria en el poder se remonta a los años 60 y Morris repasa cada uno de los cargos de Rumsfeld con imágenes de archivo y declaraciones del entrevistado tan vulgares como ambiguas. El trabajo es encomiable pero no lleva a ningún lado, ya sea porque el método empleado, el análisis de discurso, no profundiza como debería, ya sea porque Rumsfeld opta por mostrarse lo más banal posible para seguir con la boca cerrada.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 23 de mayo de 2014.

 

'Viva la libertà'

Viva la libertà (2,5/5 estrellas)

Los fans del actor Toni Servillo están de enhorabuena porque en Viva la libertà ofrece un recital doble interpretando a los dos protagonistas del filme, un político en crisis y su hermano gemelo, un filósofo bipolar. Y lo que comienza como un vodevil sobre los tejemanejes de palacio acaba confluyendo en una curiosa fantasía sobre el doppelgänger, algo errática en su puesta en escena pero grácil en su desenlace. Servillo maneja con precisión a sus criaturas, y pese a que algunas secuencias parecen una huida hacia delante, la combinación entre melancolía y locura de la dupla protagonista funciona, sobre todo cuanto más se asemeja a la catatonia del statu quo europeo.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 23 de mayo de 2014.

'Dom Hemingway'

Dom Hemingway (1/5 estrellas) 

Jude Law engordó hasta 13 kilogramos para interpretar al Dom Hemingway del título, aunque, para ser sinceros, no debería haberse tomado esa molestia. Richard Shepard (Matador, 2005) trastea en el subgénero de gángsters británico para trazar un perfil sobre un hooligan marrullero que acaba de salir de la cárcel y va en busca del botín que se le ha prometido por guardar silencio durante los doce años que pasó en la sombra. Al protagonista modestia no le falta, aunque en realidad es un tipo bastante desgraciado, tal y como nos lo presenta Shepard en el prólogo de la película, un primer plano de Law recitando como un poseso las bondades de su sexo mientras le practican, intuimos, una felación.

Brocha gorda, ralentís sacados del peor Guy Ritchie, o escenas herederas del Trainspotting de Danny Boyle, Dom Hemingway puede leerse como el desecho de toda esa generación de películas británicas que en los años 90 pretendía arrasar la escena cinematográfica y la taquilla a base de bravuconadas, drogas y tics visuales impactantes. En cierto modo, Shepard responde de manera diáfana a qué pasó con todos aquellos que, en público o privado, imitaban a los matones de Ritchie. Poca cosa, en realidad.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 23 de mayo de 2014.

'Carmina y amén'

Carmina y amén (3/5 estrellas)

A Paco León y a Carmina Barrios, su madre, no les hace falta demasiada promoción para triunfar, aunque al actor de 'Aída' y director de 'Carmina o revienta' y su secuela, 'Carmina y amén', tampoco se le caen los anillos por hacer todo cuanto esté en su mano para que la gente vea sus películas.

Si con la primera entrega de la saga Carmina “desafió” al sistema de distribución y exhibición patrio estrenando simultáneamente en internet y cines, esta vez, inmerso en el sistema convencional de producción, ha optado por otras acciones no tan rompedoras, pero sí muy ruidosas.

Carmina y amén, con toda probabilidad, se beneficiará del entusiasmo de León, pero lo cierto es que la película es más que un tratado de nuevo marketing cinematográfico. Y es que esta segunda parte y broche final de la franquicia contiene gran cine y, sobre todo, a un reparto brillante. Aquí, León cuenta las vicisitudes de Carmina al morírsele su marido y cómo deciden esperar dos días hasta llamar a la policía y la ambulancia con el objetivo de cobrar la paga doble que su esposo aún tenía pendiente. Esperpento español en estado puro que tiene su mejor clímax en la secuencia del velatorio del muerto. Para no perdérsela.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 30 de abril de 2014.

'Divergente'

Divergente (2,5/5 estrellas) 

La ciencia-ficción distópica continúa encontrando su público en las nuevas generaciones, quizá porque el futuro que les espera es más negro que la noche de los tiempos. Con la segunda parte de 'Los juegos del hambre' aún en las retinas, llega ahora esta 'Divergente' que sí aspira a ser la verdadera heredera de la anterior, pues la adaptación del best-seller de Veronica Roth cuenta con numerosas virtudes para lograrlo. Para empezar, en su reparto destaca Shailene Woodley, a quien ya venden como la nueva chica de oro de Hollywood y rostro de Tris Prior, una heroína poco cursi y sin miedo a dar las patadas necesarias para sobrevivir en un Chicago aislado del mundo y redil para una humanidad dividida en cinco facciones, correspondientes a distintas virtudes humanas: inteligencia, osadía, abnegación, verdad y cordialidad.

Lo cierto es que el futuro y el sistema social que plantea 'Divergente' es bastante disparatado y cuesta encontrarle sentido a la reflexión que pretende la fábula. Sin embargo, como película de acción funciona y, a diferencia de 'Los juegos del hambre', su mensaje no trapichea con la crítica a la sociedad espectacular, base de aquel filme. Inverosímil, pero un poco más honesta.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 30 de abril de 2014.

'Ida'

Ida (3/5 estrellas) 

La Europa contemporánea está cimentada sobre secretos dolorosos e inconfesables. Para confirmar esta sentencia se estrena la nueva película del polaco Pawel Pawlikowski, quien ha regresado a su ciudad natal y a la década de los 60 para explicar una sobria, pero dolorosa historia acerca de una novicia que, antes de tomar sus votos, reemprende la relación con su tía y, con ello, acaba por conocer la verdad sobre sí misma y sobre su familia. Los interrogantes sobre Ida, la protagonista, se van desvelando poco a poco y, para amortiguar el impacto, Pawlikowski opta por una factura estética casi cartuja, quizá demasiado rígida, en un blanco y negro que se busca en los filmes de C.T. Dreyer, Andrzej Wadja. Andrzej Munk y otros nombres ilustres de la época dorada del cine polaco.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 28 de marzo de 2014.

 

'Kamikaze'

Kamikaze (0/5 estrellas)

Vaya por delante que su título no engaña: Kamikaze es una película absolutamente suicida; un total despropósito desde su premisa y que sólo va a peor. Alex Pina, curtido en la cantera de Globomedia, se lanza al largo en esta suerte de Frankenstein genérico sobre un terrorista del Cáucaso cuya misión es hacer explotar una bomba en un avión y que pasa de verdugo a héroe tras intimar durante varios días con un grupo de españoles muy salados que le descubren el valor de la vida. El trabajo interpretativo de Álex García es muy encomiable, pero, lamentablemente, también un esfuerzo en balde. El perpetrador de este asunto (Pina no sólo dirige: el guión sale de su puño y letra) habrá pensado que la geopolítica se arregla con cuatro chistes de sitcom patria y, claro…, así nos va.

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 28 de marzo de 2014.

 

'Las maestras de la República'

Las maestras de la República (1/5 estrella)

Pese a que hoy en día cuenta con una nueva generación de cineastas de gran talento, el género documental es a todas luces el más maltratado en la parva Academia del cine española; institución que en los recién galardonados Goya decidió premiar este trabajo que, honestamente, no merecía ni siquiera estar entre los nominados. Pero, sea por connivencias políticas (el documental es una pieza encargada por la Federación de Trabajadores de la Enseñanza de UGT) o por cuestiones más livianas, Las maestras de la República se llevó el Goya evidenciando que, en asuntos de cine, la Academia pinta poco. Mal narrado, mal montado y absolutamente propagandístico, sólo lo salva el interés que provocan estas malogradas pioneras, mujeres valientes que merecían un homenaje más digno. 

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 14 de marzo de 2014.

 

La guerra de Crimea

1. Título: Head Quarters staff: 1) Colonel Vico; 2) Major the Honourable Leicester Curzon; 3) Lord Burghersh; 4) Orderly; 5) Count Revel; 6) Mr. Calvert Interpreter; 7) Colonel Poulet[t] Somerset; 8) Colonel A. Hardinge; 9) Dr. Prendergast; 10) Commander Maxse; 11) Colonel Kingcote
2. Otro título: British and French staff officers at Headquarters
3. Creador: Fenton, Roger, 1819-1869, fotógrafo
4. Fecha de creación/publicación: 1855
5. Forma: 1 impresión fotográfica en papel salado ; 18.5 x 16.5 cm.
6. Sumario: Oficiales británicos y franceses, en un retrato completo de grupo, posan sentados y de pie ante la puerta del Cuartel General británico.
7. Número de reproducción: LC-USZC4-9283 (copia de transparencia.)
8. Derechos de imagen: Libre uso de la imagen.
9. Aviso de acceso; Acceso restringido: Material extremadamente frágil; necesaria cita.
10. Localizador: PH - Fenton (R.), no. 165
11. Depositario: Library of Congress Prints and Photographs Division Washington, D.C. 20540 USA
12. Url: http://lcweb2.loc.gov/service/pnp/cph/3g00000/3g09000/3g09200/3g09283r.jpg

 

'La mujer del chatarrero'

La mujer del chatarrero (3/5 estrellas)

Tras un par de ejercicios ambiciosos y fallidos –Inferno (2005) y el europudding Triage (2009)-, Danis Tanovic ha vuelto a sacar lo mejor de sí mismo en este trabajo de ánimo parco y elevada ética con el que, además, se llevó el Gran Premio del Jurado en la Berlinale de 2013.

Tanovic cuenta un episodio en la vida de un chatarrero de etnia gitana (así se llama la película en su versión original) y nos enseña sus vicisitudes cuando su esposa se debate entre la vida y la muerte por un aborto natural repentino. Sin tarjeta sanitaria ni dinero suficiente para la operación, la sanidad pública bosnia no quiere hacerse cargo de la intervención, dejando a la pareja expuesta al peor de los destinos.

Tanovic firma una película ejemplarizante, de toneladas de coraje cotidiano con las que luchar contra la degradación moral del sistema. Con una estrategia cuasi documental y una cámara que se pega a la nuca del protagonista como si fuera un yugo existencial, el cineasta sigue al chatarrero ingeniárselas para poder ayudar a su mujer. De paso, radiografía las miserias, sin caer en el miserabilismo, de un país con las heridas aún abiertas por una guerra civil espejo de las fisuras de una Europa a la deriva.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 21 de febrero de 2014.

'Monuments Men'

Monuments Men (2/5 estrellas)

En el reciente Festival de Berlín, George Clooney y el escuadrón de actores que conforman Monuments Men se presentaron a la prensa bailando la conga. Sin duda es un gesto simpático que demuestra el compadreo entre el galán y su cuadrilla, pero también una meridiana metáfora de cómo ha representado Clooney la historia de estos héroes que ayudaron a recuperar el arte robado por Hitler en la Segunda Guerra Mundial.

Para Clooney esa contienda no fue una fiesta, aunque tampoco parece mostrar mucho respeto por el drama que sufrió Europa esos años. Quien en su día firmaba trabajos de alta exigencia política como Buenas noches y buena suerte, erigiéndose como una de los azotes críticos de Hollywood contra la administración Bush, se atreve ahora a filmar un panfleto hiperpatriótico que se asemeja más a un trabajo de la era del plan Marshall que a una revisión rigurosa de la historia. Queda claro que sin ellos, hoy nuestro continente sería un páramo de ruinas. En fin, estamos frente a un trabajo de ficción, pero es decepcionante verse también ante la versión más perezosa de George Clooney. Y, por tanto, la más cínica.

Para seguir las aventuras de todo el comando, Clooney distribuye en parejas a su reparto de estrellas a lo largo de casi toda la acción, y los tándems, lamentablemente, apenas echan chispas, sea por su falta de química, sea porque casi no hay material que desarrollar. No hay carga dramática y, para compensar ese escollo, se rellenan los vacíos de chistes fáciles que, gracias a la fotogenia del cast, dejan una sonrisa amable en el rostro del espectador. Pura desidia.

Por otra parte, Clooney ha asegurado en entrevistas que para recrear a los Monuments Men se ha inspirado en largometrajes como Doce del patíbulo, aunque, más allá de una pegadiza melodía que despierta en las escenas más destacadas del trabajo, el resultado queda muy lejos de sus pretensiones. De hecho, está a años luz y es puro pastiche. La cinta, no obstante, está llamada a agradar a todo tipo de público y probablemente sea así. Su éxito, sin embargo, no podrá ocultar su carácter banal y sin fuelle.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 21 de febrero de 2014.

'La Lego película'

’La Lego película’ (3,5/5 estrellas) 

Que el cine sea espacio para la promoción de marcas y reino del product placement no escandaliza hoy día a casi nadie (aunque debería), pero pocas veces se ha conseguido una película corporativista tan divertida como La Lego película.

Los responsables de tan tamaña juerga son Phil Lord y Christopher Miller, responsables, dato para recién llegados, de la franquicia Lluvia de albóndigas. Lord y Miller ya habían demostrado con Clone High (2002-2003), su primera serie animada, su buena mano para la batidora posmoderna de chistes jocosos y que aquí aplican al universo de los juguetes de piezas con el que muchos hemos jugado cuando éramos tiernos infantes. ¿Alguien dijo nostalgia?

Así, con mucho terreno ganado, el tándem de cineastas se enfrentaba al reto de dotar de una narración coherente a tal propósito publicitario en forma de película y, para lograrlo, echan mano del relato de iniciación y del siempre recurrido género de la spoof movie, aquel que imita de forma paródica grandes éxitos de taquilla. Al protagonista, un muñeco don nadie llamado Emmet, le acompañan en su gesta de salvar su civilización un mago llamado Vitrivius, una chica maravillas llamada Lucy, además de la versión Lego de Batman (mejor que la interpretada por Christian Bale en la trilogía de Nolan) y otras tantas caras del mundo DC Comics, como Superman, Linterna Verde o Wonder Woman, personajes cuyas aventuras cinematográficas, por cierto, están también producidas por Warner.

Sea como fuere, Lord y Miller son capaces de tal cantidad de bromas y chascarrillos, amén de una impresionante animación, que no es difícil olvidar la condición de publirreportaje del trabajo. Ni su mensaje último, la idea de este juguete como un producto intergeneracional. Compramos.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 7 de febrero de 2014.

Philip Seymour Hoffman

 

Esta foto de Philip Seymour Hoffman es probablemente la mejor de él que he visto desde que ayer 2 de febrero conocieramos su muerte. La ha colgado Steven Schub, uno de sus amigos, compañero de cuarto cuando eran estudiantes y, como se ve, también compañero de desorden juvenil. Muy emo.

 

Nymphomaniac, de Lars Von Trier

Lars Von Trier puede ser tildado de muchas cosas, pero pocos se atreverán a negar que el tipo, como mínimo, es ocurrente e imaginativo; capaz de obras tan grotescas y megalómanas, como abrumadores, bellas y risibles. El estreno de la segunda parte de Nymphomaniac sirve ahora para juzgar con rigor (al menos el que nos permite esta versión del trabajo, pues en el Festival de Berlín podrá verse el director’s cut de cinco horas y media de duración) las pretensiones, que no son pocas, y los resultados, tampoco nimios, de este opus pseudo erótico con más lecturas de las que aparenta su nada feliz superficie.

Nymphomaniac puede entenderse como una fábula moral que lleva el subgénero del melodrama femenino hacia su epicentro más brutal y verdadero: el sexo. Así parece confirmarlo el segundo tramo del trabajo, más oscuro, sórdido y triste que el primero, donde se completa el recorrido vital de la protagonista (Gainsbourg) al mostrárnosla madura, ya muy lejos de los juegos de iniciación y descubrimiento, y ahora como un cuerpo que sufre agonía sexual (y emocional).

De nuevo, Von Trier hace uso del diálogo que se establece entre Joe y Seligman (Stellan Skarsgard) para imitar el método mayéutico y el acto sacramental de la confesión con el objetivo de fusionar mística y carnalidad, sus dos grandes obsesiones. Una estrategia nada baladí que, a su vez, nos recuerda las estructuras de carácter binario que también se encontraban en el corazón de sus dos filmes anteriores: Anticristo (2007), donde buscaba la tensión entre lo masculino y lo femenino, lo apolíneo y lo dionisíaco, y Melancolía (2011), filme que confrontaba a dos hermanas y dos humores, la razón frente al nihilismo.

Hay muchos otros puntos de conexión entre los largometrajes y las tres películas pueden entenderse como un mismo fresco simbólico que, a la postre, en su último y magnánimo significado, sirve para comprender el tormentoso imaginario, siempre en lucha, de Von Trier. Otra cosa es que el danés piense que realmente no podemos vivir sin sus reflexiones y exabruptos acerca de sí mismo y de la condición humana.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 24 de enero de 2014.

Asier ETA biok (Asier y yo)

Asier y yo (3/5)

Alejado del relato mediático habitual, del propagandístico y del partidista, Asier y yo, el documental de Aitor Merino sobre Asier Aranguren - uno de los etarras detenidos en la última operación contra el entorno de la banda terrorista-, es primeramente un trabajo sobre la amistad y sobre los vínculos emocionales que la cimientan, más allá de las afinidades políticas que separan a ambos. Bajo una puesta en escena algo desaliñada (Merino utiliza el yo narrativo y desde esa posición explica en pantalla su relación con Aranguren), el actor reconvertido en director se abre a los espectadores, sin obviar interrogantes ni dejar de lado a protagonistas ni distintos puntos de vista. Cabal y honesto, el valor del trabajo radica en su insistencia por la concordia. Una gran virtud.

 

Paula Arantzazu Ruiz

Crítica aparecida en La cartelera - Levante el 17 de enero de 2014.